Tra la fine del XV secolo e l'inizio del XVI secolo, nei Paesi Bassi meridionali emerse un gruppo di artisti di talento, chiamato Fenicotteri primitivi, che ha dato alla storia dell'umanità infiniti contributi culturali. Da qui l'importanza di conoscerlo, quindi resta con noi e goditi questo articolo informativo.
Cosa sono i fenicotteri primitivi?
I dipinti realizzati tra il XV e il XVI secolo da un folto gruppo di artisti dei Paesi Bassi meridionali sono conosciuti come Primitivi fiamminghi. A tale periodo è attribuito uno dei punti più trascendentali della storia dell'arte.
In altre parole, quando ci si riferisce a questa denominazione, si tratta storiograficamente dei maestri della scuola pittorica fiamminga nei suoi primi secoli, da Jan van Eyck nella prima metà del Quattrocento, a Pieter Brueghel il Vecchio a metà del del XV secolo del XVI secolo.
All'interno di questo gruppo, composto da Dieric Bouts, Hans Memling, Rogier van der Weyden, lo stesso Jan van Eyck, tra gli altri, i suoi esponenti hanno vissuto e lavorato principalmente nelle prospere città che compongono la regione, come: Anversa, Bruges, Bruxelles , Gand e Lovanio.
La pittura fiamminga è stata fondata da varie scuole: l'italiana e la reazionaria durante il XV e il XVI secolo, e il colorista o naturalista della scuola di Anversa, appartenente al XVII secolo. I primi due fanno parte dell'arte dei Paesi Bassi, emersa all'epoca del Rinascimento europeo.
In termini generali, si trattava di un gruppo di artisti alquanto isolato da quella che fu la rivoluzione rinascimentale e, per alcuni, come quelli appartenenti alla scuola reazionaria, contro le imminenti influenze artistiche italiane.
Grazie alla maestria nata come risultato del nuovo mezzo della pittura a olio, e alla sua visione in termini di dettaglio, l'arte pittorica ha potuto essere spinta a un punto mai visto prima, dove il corso della storia dell'arte è cambiato per sempre. .
Era semplicemente un'epoca in cui le commissioni provenivano non solo dagli strati sociali superiori e dalle organizzazioni religiose dell'epoca, ma anche da cittadini comuni e da città lontane dalle capitali. Per la prima volta dopo molti anni, ai pittori è stato concesso un posto importante nella società.
A quel tempo gli artisti conservavano ancora alcune caratteristiche originali dello stile gotico, sia tecniche, come l'uso di una tavola al posto della tela, sia tematiche, generalmente religiose e spirituali. Tuttavia, c'è stato anche un aumento delle competenze di dettaglio, come già accennato.
Questi interessi hanno promosso in particolare l'indagine empirica e la scoperta della prospettiva, nonché la rivendicazione del paesaggio come argomento pittorico e il miglioramento della tecnica del ritratto, che ha fornito un'impressionante profondità psicologica e la rivendicazione del paesaggio come tema pittorico.
Ancora oggi si può ammirare la meravigliosa eredità artistica dei Primitivi fiamminghi. Nella regione delle Fiandre, ad esempio, troviamo gli importanti Musei Reali di Belle Arti di Anversa e Bruxelles, e il Museo Groeninge di Bruges. Allo stesso modo, vi si trovano il Museo delle Belle Arti di Gand, la M di Leuven, il Mayer van den Bergh e il Sint-Janshospitaal.
Allo stesso modo, anche in Spagna troviamo innumerevoli opere, poiché i suoi re erano grandi estimatori di questo tipo di pittura. Spiccano di gran lunga i depositi del Museo Nacional del Prado, dove è custodito il dipinto del talentuoso Rogier van der Weyden, "La discesa dalla croce" (1438).
Contesto storico-geografico del primitivo fiammingo
Spesso a questo tipo di pittura si fa riferimento con l'espressione Primitivi fiamminghi, dando l'impressione che si tratti di un movimento artistico piuttosto grezzo e semplice, che non è mai riuscito a raggiungere il suo pieno potenziale. Questo termine è nato quando l'arte rinascimentale in generale è stata presa come punto di riferimento, oltre al fatto che il Medioevo è stato considerato per molto tempo come un periodo di tenebre.
Naturalmente, nulla potrebbe essere più lontano dalla verità, perché quando è emersa questa magnifica scuola, la pittura nei Paesi Bassi aveva già alle spalle una storia ampia e robusta, che includeva momenti eccezionali con stili come il romanico e il gotico internazionale.
D'altra parte, è ancora chiamato "fiammingo", nonostante il fatto che la regione fiamminga del Belgio, meglio conosciuta come Fiandre, sia proprio quella, una piccola area dei Paesi Bassi. Ciò è dovuto al fatto che, durante tutto il XV secolo, vi furono circostanze abbastanza favorevoli che influenzarono la creazione di una scuola pittorica trascendente in questa parte nord-occidentale dell'Europa.
La prosperità economica era notevole nelle Fiandre, questa era strettamente legata all'industria e al commercio di tessuti e, quindi, generò uno sviluppo urbano eccezionale dalla crescente ascesa della sua borghesia.
Il periodo di massimo splendore dell'intera società e dei valori borghesi furono un fattore determinante nel vigoroso sviluppo di una nuova mentalità e sensibilità artistica. Occhio, ma che non ha mai rinunciato, per il resto, alla sua radicata devozione religiosa.
Per l'epoca le città più rinomate del territorio erano Gand, Bruges e Ypres, ognuna delle quali formava nodi di collegamento tra le reti commerciali incaricate di unire il Nord Europa con il resto del noto Occidente. Detta regione faceva parte del Ducato di Borgogna, con sovrani che avevano svolto il ruolo di protettori dell'arte gotica.
Oltre a ciò, aveva un'elevata densità di popolazione, una delle più alte di tutta Europa, la cui concentrazione urbana era anche superiore alla media europea. In essa c'erano diverse città importanti con grande ricchezza, importanti mercanti e numerosi artigiani.
In effetti, tale era la coesione interna della società, che si proiettava molto rapidamente in una vita pacifica e organizzata. La società era dominata dalle classi civili: mercanti, manifatturieri, banchieri, ecc.
A ciò si aggiunge il fatto che, intorno al 1380, a seguito della Guerra dei Cent'anni, Parigi non era più considerata la capitale artistica del mondo, come lo era stata fino ad allora. Così i gruppi sociali che emigravano cominciarono a rimanere nel loro paese ea lavorare per la borghesia e i grandi mercanti del continente.
Questo si è visto più di ogni altra cosa nella società spagnola e italiana che sempre più apprezzava la propria arte. Tutte le opere erano al servizio del pubblico borghese, molto sensibile e ricco di cultura, affiancato dalla Chiesa cattolica e centinaia di mecenati di artisti.
La clientela era più che ansiosa di poter osservare il riflesso dei loro volti e del mondo nei dipinti che ordinavano di eseguire. Inoltre, lo sviluppo urbanistico rese possibile l'istituzione delle prime università che, insieme all'invenzione della stampa, divennero una preziosa fonte di diffusione e creatrice di cultura.
In quel periodo la praticità era sempre più apprezzata, anche la religione acquisiva un significato pragmatico. Ecco perché è noto come un periodo totalmente realistico. Dall'anno 1420, la concezione che lo spirito divino incarnava in ogni piccola cosa, faceva acquisire alle rappresentazioni una maggiore trascendenza.
Sia la realtà sensibile che quella tangibile avevano una maggiore popolarità. Gli oggetti hanno cessato di essere elementi secondari per emergere come protagonisti. Quando ciò accadde, nella città di Tournai visse il primitivo pittore fiammingo, Robert Campin.
Allo stesso tempo, la capitale della provincia delle Fiandre Orientali, Gand, ha visto Hubert van Eyck crescere con suo fratello minore e, con maggiore riconoscimento, Jan van Eyck. Studi storici affermano che i tre furono i massimi rappresentanti della rivoluzione pittorica.
Ognuno a suo modo ha perfezionato l'uso dell'olio con notevoli conseguenze sul risultato finale, utilizzando colori di ottima qualità, ottenendo incredibili effetti con smalti, ecc. Con l'inizio del secolo, dal XV al XVI, tutti gli artisti cominciarono a concepire le ripercussioni del Rinascimento italiano.
In questo secolo, precisamente nel 1477, il ducato che aveva una stima totale per la sua rilevanza economica, divenne corona d'Austria asburgica. La Casa d'Asburgo aveva un ramo spagnolo sin dai tempi di Carlo I di Spagna, la dinastia degli Asburgo.
Per questo motivo, l'arte rinascimentale e barocca spagnola aveva uno stretto rapporto con le forme fiamminghe. Tuttavia, nonostante la progressiva accettazione rinascimentale, i pittori rimasero fedeli alla ricchezza del tradizionale, poiché era qualcosa ancora vivo e con possibilità di creazione.
Pochissimi furono coloro che non rinunciarono al buon artigianato, a quel gusto per il dettaglio, al realismo nei ritratti e nel paesaggio costituiti principalmente come protagonista nelle sue opere. I ritratti, i dipinti di gruppo e l'atmosfera da costumista convivono senza alcun problema con i temi religiosi.
Caratteristiche tecniche sui fenicotteri primitivi
In generale, la pittura fiamminga non ha precedenti nei grandi formati, ad eccezione delle vetrate. Tuttavia, lo fa nelle miniature, sulle quali ha una vasta tradizione di straordinaria qualità.
Di conseguenza, sono state determinate alcune caratteristiche dell'arte fiamminga, come l'uso di colori molto suggestivi che servono a ricordare i pigmenti utilizzati nell'illuminazione delle miniature. Si aggiunge anche l'applicazione del dettaglio ai piccoli capolavori, che trasmettono ai vari dipinti di grande formato.
Questa caratteristica favorisce ampiamente il progresso tecnico rispetto al petrolio, la cui scoperta era già stata fatta, ma che aveva ancora un processo di essiccazione estremamente lento che non forniva molta praticità.
Per questo è fondamentale sottolineare che i primitivi pittori fiamminghi del Quattrocento non inventarono la tecnica ad olio, ma solo che ne furono incaricati l'applicazione sistematica, che contribuì al suo consolidamento e diffusione in questo secolo e nel prossimo.
Per questo sono stati utilizzati inchiostri fluidi e trasparenti, applicati mediante smalti per ottenere le luci, le sfumature delicate e la sfumatura del colore dei fondi. I pittori della regione utilizzavano una tecnica mista tra tempera e olio.
Il primo strato era la tempera, per definire il disegno e la modellazione con le sue luci, oltre a una leggera indicazione di colore. Lo strato successivo, quello dell'olio, aveva come funzione principale che l'artista si dedicasse esclusivamente alla rappresentazione dell'effetto cromatico.
Nonostante in altre zone come Venezia si diffondesse progressivamente l'uso della tela, la tavola fu sempre conservata come supporto primario, che, durante il tardo medioevo, fu il più importante di tutti. Una chiara indicazione dell'intima unione che i concetti di artista e artigiano possedevano ancora in quel momento.
Rapporti tra la scuola fiamminga e il Rinascimento
La scuola di pittura rinascimentale fiamminga è spesso indicata da studiosi e critici d'arte come "Ars Nova", tradotta in spagnolo come Arte Nueva. Tuttavia, tale nome non deve essere confuso con il suo omonimo musicale.
Il suo nome deriva da un avanzamento tecnico e artigianale che nulla ha a che vedere con il carattere intellettuale e riflessivo dei primi approcci al Rinascimento, avvenuti parallelamente nella regione Toscana.
Gli artisti della scuola fiamminga non hanno preso l'Antichità Classica come modello di recupero, in nessun momento il concetto artigianale del mestiere è stato messo in tavola. Questi, oltre a svolgere lavori per la corte, avevano anche clienti che facevano parte della borghesia e commercianti residenti di città influenti.
I suoi principali precursori non tendevano a teorizzare sulle loro varie scoperte, o sulla loro personalità, come facevano un tempo i contemporanei italiani. Allo stesso modo, il lavoro è proseguito entro certi parametri del tardo medioevo, ad eccezione di alcuni pittori come Jan van Eyck.
van Eyck, insieme ad altri colleghi, iniziò ad avere una consapevolezza molto più chiara della loro particolare arte e creò la tendenza a firmare le opere. Per l'epoca non esistevano trattati di pittura fiamminga, né biografie dei suoi principali esponenti.
La suddetta mancanza di elaborazione teorica può derivare da una vocazione puramente spirituale. Mentre gli autori italiani cercavano di rinnovare tutta la conoscenza del mondo attraverso la misurazione umana, avvalendosi delle scienze e della ragione, ai fiamminghi primitivi bastava vivere di fronte a una notevole sperimentazione religiosa del visibile.
Prende la prospettiva dei fenicotteri primitivi
In questo stesso ordine di idee, facendo puntuali confronti entre los Italiani e fiamminghi, è fondamentale notare che entrambi scoprirono contemporaneamente la prospettiva lineare e quella aerea, solo quest'ultima empiricamente e non seguendo uno sviluppo matematico o ottico specifico.
In termini generali, il processo transitivo dal planismo alla prospettiva lineare del Quattrocento è stato piuttosto lento, essendo gli ultimi secoli del Medioevo un periodo in cui si sono svolti molti tentativi, palpeggiamenti e sperimentazioni imprecise, con l'obiettivo principale di rompere le piano pittorico e ritorno alla terza dimensione.
Tra questi vari tentativi c'è il sistema di rappresentazione che utilizza la proiezione parallela obliqua, detta "prospettiva del cavaliere" o "vista a volo d'uccello", che consiste sostanzialmente nel rappresentare scene in cui sembra che il pittore si trovi in un punto di vista elevato, come una persona a cavallo.
In questo modo, gli oggetti presumibilmente più vicini allo spettatore vengono posti nella parte inferiore della composizione in primo piano, da lì tutto il resto viene sovrapposto verticalmente in quanto dovrebbero essere più distanti, ridimensionando così il dipinto nel punto più alto dove il spesso viene tracciata la linea dell'orizzonte.
Da ciò è partita molto timidamente la suggestione della terza dimensione, con un recupero della pittura verso il mondo naturale. Questi saggi di «prospettiva da gentiluomini» si generalizzarono nel periodo della pittura gotica, a cui fu attribuito il nome di Gotico Internazionale o di Cortese.
Ognuna di queste tecniche fornisce una chiara rappresentazione naturalistica del mondo, satura di simboli spirituali. Nel XV secolo, sia i pittori fiamminghi che quelli tedeschi usarono sperimentalmente tutti i tipi di sistemi prospettici, insieme a metodi empirici come lo specchio convesso, usato da van Eyck nella sua opera "Il matrimonio di Arnolfini".
Quindi erano rappresentati come un grandangolo che copriva uno spazio molto più ampio. Uno dei testi teorici che compila i sistemi prospettici nordici è il "De artificiali prospettiva" di Jean Pelegrin, noto come Viator ed è considerato l'equivalente del Trattato dell'Alberti sulla pittura rinascimentale.
Inoltre, si aggiunge la raccolta di altri sistemi, come la "prospettiva cornuta", comunemente nota come prospettiva angolare o obliqua, la cui funzione doveva essere un procedimento utilizzato dai pittori fiamminghi primitivi per gran parte del XV secolo.
Tuttavia, la rappresentazione che suscita maggiore interesse in questo trattato è quella che tratta il sistema con un punto di distanza, molto simile alla prospettiva lineare albertina, tranne che, con una formula più semplificata di facile e chiara esecuzione, e che procede per assunzione della pratica dei laboratori di pittura nordica.
A differenza dei dipinti rinascimentali italiani, dove la luce è responsabile di rendere visibili oggetti e architetture nel tentativo di evidenziare i valori volumetrici, nella pittura fiamminga la prospettiva è più vicina alla visione naturale.
In esso l'aria è palpabile sensorialmente, come se fosse una realtà individuale e un elemento in più che è presente nella composizione. Allo stesso modo, gli artisti optano per l'uso della gradazione del colore verso grigi leggermente più bluastri per oggetti distanti, come fa Leonardo da Vinci nei suoi studi sulla prospettiva aerea.
tematico
Come nei periodi precedenti, i temi religiosi sono molto preponderanti in questa fase, di cui si potrebbero citare infinite ricostruzioni di brani biblici o riferimenti alla vita di santi o anacoreti.
Alcuni artisti, come Bosch o Brueghel il Vecchio, erano incaricati di realizzare dipinti che esemplificassero i peccati e quali fossero le loro rispettive conseguenze. Allo stesso modo, questi possono anche essere considerati come semplici concezioni filosofiche del mondo basate su credenze multiple o detti popolari.
Per la realizzazione di queste magnifiche creazioni, sono stati aiutati da una numerosa fantasia di elementi e composizioni che riescono a trasmettere un messaggio attraverso un linguaggio altamente simbolico e sofisticato. Tuttavia, il suo uso era del tutto appropriato, se si tiene conto che il suo pubblico finale era la borghesia della regione e le istituzioni religiose.
rivendicazione del paesaggio
Nei dipinti fiamminghi puoi vedere l'interesse per tutto, perché con la stessa precisione e cura con cui viene dipinto un aspetto umano, un animale, un oggetto e persino una pianta. È piuttosto notevole come il paesaggio acquisisca una maggiore importanza in quel momento.
In questo modo, i primitivi artisti fiamminghi riflettevano fedelmente l'ambiente che faceva parte di ciò che li circondava, solo che conferiva un certo carattere simbolico a tale realismo. Di conseguenza, contribuisce al significato allegorico dei colori utilizzati e dei molteplici oggetti secondari raffigurati.
Ciò che era consuetudine nello stile gotico, sfondi dorati e neutri, scompare del tutto e viene sostituito da ogni tipo di paesaggio naturalistico. La luce smette di essere capricciosa e ogni oggetto comincia ad avere la sua ombra specifica, così come ogni stanza ha la sua cornice luminosa, ogni paesaggio la sua tonalità sicura e ogni elemento la sua puntualità.
Insomma, ogni dipinto fiammingo si riferisce sempre al paesaggio in un modo o nell'altro, o attraverso una finestra o perché sicuramente si svolge all'aperto. Questi paesaggi sono stati realizzati senza accenni di natura, quindi i loro elementi erano molto stereotipati.
Con questo punto potremmo citare la forma delle sue rocce, frastagliate e prive di vegetazione, le città lontane, turrite e colorate, gli alberi la cui forma era come una piuma, con tronchi sottili e lunghi, tra gli altri. I personaggi erano distribuiti in modo equilibrato, al centro se ce n'era uno solo e simmetricamente se ce n'erano molti.
Le azioni erano spesso destinate a essere limitate e il movimento era raramente consentito. Sebbene i partecipanti potessero condividere tra loro, non è mai stato permesso loro di rubare i riflettori al personaggio principale, il paesaggio.
In genere le opere venivano realizzate in piccolo formato utilizzando la tavola come supporto, poiché erano concepite per essere collocate all'interno delle grandi residenze borghesi e aristocratiche, interni domestici che con grande disinvoltura facevano riflettere il dipinto di una pietà intima e borghese.
Inoltre le tavole sono spesso composte da tre fogli, da cui il nome Trittico, i due lati sono incernierati e si chiudono sopra quello centrale. Da parte sua, la faccia esterna è solitamente dipinta con toni di grigio e la tecnica della grisaille per produrre la sensazione di essere un rilievo scultoreo.
Il ritratto
Va notato che alle Fiandre è attribuito il titolo di una delle regioni antesignane in termini di ritratti con penetrazione psicologica del modello. I ritratti tradizionali fiamminghi, adottati in seguito con clamoroso successo in Spagna da molti, sono quelli che catturano i loro protagonisti in un piano medio.
Tuttavia, non come è attualmente noto frontalmente, bensì con una leggera curvatura che gira su se stessa, sempre su uno sfondo neutro di colore scuro ed inglobando il viso e le mani con qualche oggetto simbolico.
Il fatto che il personaggio sia ritratto leggermente ruotato favorisce un coinvolgimento totale nello spazio, in modo che le rappresentazioni non siano fatte attraverso trucchi di mobili o sfondi architettonici. Solo con la presenza di una figura solenne, al di sopra di uno sfondo perduto, si insinua l'esistenza del volume e dello spazio occupato.
Con il passare del tempo, già nel XVII secolo, nella scuola di Anversa, quando la città divenne la fortezza artistica del barocco fiammingo, questo genere di ritratto riuscì ad evolvere al suo massimo splendore in uno stile molto più naturalistico e colorato.
Principali esponenti
Prima dell'istituzione dei Primitivi fiamminghi, c'erano alcuni predecessori come il talentuoso insegnante Melchior Broederlam e i Limbourg Brothers, Brothers, Paul e Johan. Tuttavia, i primi artisti a catturare queste innovazioni in un dipinto furono Robert Campin e Jan e Hubert van Eyck.
Questi sono considerati i fondatori formali della primitiva scuola fiamminga all'inizio del XV secolo. Si possono citare tra le sue opere più importanti il "Trittico dell'Annunciazione", "La Messa di San Gregorio", "Trittico Seilern", "Vergine del Canonico Van der Paele e Vergine del Cancelliere Rolin", "Ritratto delle Nozze Arnolfini" , tra gli altri.
Come già accennato, in essi si rinunciava al fondo dorato e si cominciava ad utilizzare la tecnica e la pittura ad olio come materia pittorica principale. Allo stesso modo, la modalità di pittura da cavalletto è creata nella sua concezione moderna, in modo che sia stata concepita per essere vista da vicino.
La sua fattura era estremamente minuziosa e dettagliata, con un carattere che contribuì in modo significativo all'intenso sviluppo acquisito dalla miniatura dei codici alla corte dei duchi di Borgogna, per fare un esempio, a cui questi stati appartengono in questo secolo.
È fondamentale sottolineare che, al servizio di una tecnica così meticolosa, si è segnato un fine senso di osservazione e, quindi, un'intrinseca tendenza naturalistica, motivo per cui si è raggiunta una perfezione molto difficile da superare in relazione all'interpretazione delle qualità dei tessuti, dei pezzi orafi (metalli, vetro, pelle, ecc.) e in generi come la ritrattistica e il paesaggio.
Oltre a questo, tra i pittori che operarono nel secondo terzo del XV secolo, e contribuirono a concretizzare molti dei tratti della scuola fiamminga, troviamo lo straordinario Rogier van der Weyden, noto anche semplicemente come Rogier de la Pasture.
Questo belga realizzò dipinti molto importanti e maestosi come "La discesa dalla croce", "Dittico di Felipe de Croÿ con la Vergine e il Bambino", "Lamento e sepoltura di Cristo", "Madonna Medici", "Polittico del giudizio finale ”, “San Luca che disegna la Vergine” e molti altri.
Già tra la fine del secolo e l'inizio del XNUMX° si distinguevano altri primitivi artisti fiamminghi che riuscirono a valorizzare e accentuare alcuni tratti caratteristici delle loro opere, come il paesaggio. Di conseguenza si ripetono in un certo modo forme e composizioni già create in passato.
Questo punto può essere osservato nell'arte di Hans Memling e Gerard David, anche se ci sono stati anche alcuni che hanno evitato questa tendenza con un chiaro desiderio di rappresentare la loro originalità, come ha fatto Bosch. Per tutto questo secolo, al culmine del Rinascimento, spiccano le opere di Pieter Bruegel il Vecchio e di Gioacchino Patinir.
Grandi contributi alla pittura fiamminga furono forniti anche da Hugo van der Goes, Petrus Christus, Dieric Bouts, Ambrosius Benson e Pieter Coecke. Per la Francia, Jean Fouquet, Enguerrand Quarton, Nicolas Froment e il maestro di Moulins. Per la Germania, Konrad Witz, Martin Schongauer, Hans Holbein il Vecchio e Michael Wolgemut. Il Portogallo ha avuto solo i contributi di Nuno Gonçalves.
Nel caso della Spagna, gli artisti erano divisi in base alla loro corona. Quello aragonese con Luis Dalmau, Jaume Huguet, Jaume Vergós, Rafael Vergós, Pau Vergós, Jacomart, Joan Reixach, Bertomeu Baró, Pere Nisart e Bartolomé Bermejo. E quello di Castiglia con Jorge Inglés, Maestro di Sopetrán, Juan Rodríguez de Segovia, Sancho de Zamora, Maestro dei Re Cattolici, tra gli altri.
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